Mittwoch, 26. Dezember 2012

Also sprach Ralf Hütter :::

joar, wir können nich' so gut reden, deshalb machen wir
musik -- seitdem geben die beiden keine interviews mehr

ROBOTER ESSEN KEIN SAUERKRAUT

Montag, 10. Dezember 2012

Vashti Bunyan on collaborating with :::

Animal Collective: They taught me a lot that I have never forgotten and I have enormous respect for the way they work.
Devendra Banhart: Adorable genius full of goodness and the best of badness.
 
Piano Magic: Glen Johnson has a wonderful mind and ear. I like his recordings of my voice best of all. 
Joanna Newsom: An elegant, dignified and brilliant musician who was generous enough to give me a morning in a studio. 

Kieran Evans: Hugely patient bundle of energy and ideas. 

Sonntag, 18. November 2012

lied zum sonntag: jennifer

"The song happened at the Manor Studio (Oxfordshire, GB). There were some young country girls sneaking in and out of the manor's grounds. One was red-haired and had a fantactic aura: she was 'glowing' all over! Amazing, I still remember her presence without remembering her features... Anyway, she talked often with Rudolf and obviously they laughed their heads off together. Rudolf made a song out of this encounter. The six-hands-prepared-piano at the end was recorded at The Manor in a quite collective ethilic mood. The part in the middle (organ plus guitar) sounds more like Wümme, but I'm not sure..." (Jean-Hervé Péron, mail to the faust list, 15th Nov 2004)  

Montag, 12. November 2012

Questionnaire with The Diamond herself

It's about the journey, not the destination


Dear Vashti! What is your belief or philosophy that you go by? That as soon as I start to believe something it is probably already unbelievable. Which makes it easier not to hold grudges. 

What does just another diamond day in the life of Vashti Bunyan look like today? Sitting here mostly in front of a computer screen with headphones on so the rest of the household doesn't have to get bored of my tunes. Making my way between 3 old laptops and 4 hard-drives full of the last few years of recordings - finding old and making new files and trying to fix it all up into something resembling a new album.

From all the people you have worked with: Who would be the most memorable person that has crossed your path (in music) and why? Robert Kirby who arranged some of the songs on my first album recorded in 1969. He was Nick Drake's friend and arranger. I didn't see Robert from that time till a few years ago when we were both working on a Nick Drake tribute show for Joe Boyd. I just loved him and his irreverence and boundless humour.. and his beautiful musical arrangements. We were planning to work on my new songs together when he suddenly died. I haven't stopped being sad about that. I try now to write the arrangements I think we might have done together rather than go to anyone else.

Have you ever encountered Nick Drake? Joe Boyd (who produced both of us at the time) tried to get us to write together but I had a tiny baby who cried whenever I picked up my guitar and a silent Nick's shoulders went higher and higher till I went home. I don't think we ever exchanged a word although we met a few times in Joe's office. I would say hello and he would turn to the wall. Beautiful sad boy.

How did you experience the making of "From Here To Before"? As a kind of talking cure. We filmed hours of my going on and on. Only a fraction made it into the eventual film. By time we had reached the end I felt differently about the journey it was about.
  
You are entitled "The Godmother of Freak Folk". How do you feel about this description? 'Freak Folk' doesn't describe me at all, and I don't know any words that do describe me or what I sound like. As to being called 'godmother' it has  made me smile. If the girl I was could have known she would one day be described as godmother of her kind of music she would have smiled too. 

Was it more difficult for women in the 60s to be taken seriously and gain respect in a male-dominated music industry? It's hard for me to know whether it was difficult because I was female or because I was shy and unable to put my ideas across. I think it might be too easy to say it was because I was female - although it was definitely harder for someone like me who refused to wear pretty dresses.

A little birdy once told me about this incident when you would have to face disrespectful behaviour by the Rolling Stones. I wonder: Was it actually more difficult for women back then, or were the Stones really just an immature bunch? As to difficulties - like a lot of women of my generation looking back to that time - I feel I should have been much stronger, much more sure of myself - and I have spent the time since trying to put that right. I had an ego about my songs but not about myself. As to the Stones - it was only once when I was recording the b side of my single - a song I'd written called I Want to be Alone - Mick Jagger was up in the control room with Andrew Oldham and I was alone down in the studio in front of the mic. I must have looked like a small child as I caught him mimicking my ways, my expression, and it was infuriatingly patronising yes. No one took me seriously - but really was that my fault or theirs? It is hard to know like I said. As for them being immature - no - they were just fearlessly laying all before them. And yes they strutted - but that was what was so great about them. Certainly what I loved about them.

If you had the chance to travel back in time and meet young Vashti, which advice would you give her? I'd maybe tell her not to listen to herself telling her she wasn't any good as a musician and songwriter - and to sing to her children.

Do you notice any difference with your voice as you grow older? Are there any difficulties in singing since you have not been using your vocal instrument for such a long time? I think when I first came back to recording after a 30 year gap my voice hadn't changed much - maybe because I hadn't used it in all that time. But now after a few years I think it is maybe beginning to change. Lower maybe.

What is your perception of music? I lived with it every day growing up.. radio music and recorded music. Then I started to make my own - but got nowhere with it and eventually turned my back entirely on all music. I didn't sing to my children. I never picked up my guitar to play it even though I kept it always with me. Music hurt, music had rejected me so I reacted unconsciously by rejecting music. Then when Just Another Diamond Day came out in 2000 I started to listen again to so much of the music I had missed. I was able to listen at last and remember what it felt like and to love having it in my life again. When I write music now I am writing from that place that was filled after having been empty for so long. So all music to me is a longing fulfilled.


Mittwoch, 17. Oktober 2012

Vashti Bunyan im Portrait

Die Musik war gut, doch die Welt noch nicht bereit


Wir schreiben das Jahr 1963. Im zarten Alter von 18 Jahren entdeckt Vashti Bunyan in New York "The Freewheelin' Bob Dylan" für sich und beschließt daraufhin eine Karriere als Musikerin anzustreben. - "Bob Dylan's words began to fill the air in my young head and to educate me more than anything in my life had ever done."

In ihrem Bestreben unterstützt wird die ehemalige Kunststudentin aus London von niemand geringerem als Andrew Loog Oldham: Der Rolling Stones-Manager sieht in ihr die neue Marianne Faithfull.

1965 erscheint Vashtis erste Single "Some Things Just Stick In Your Mind" (ein Jagger-Richards Cover) mit der B-Seite "I Want To Be Alone" aus eigener Feder. Allerdings fällt die Resonanz bescheiden aus, auch der Veröffentlichung ihres Nachfolgers "Train Song" wird kaum Beachtung geschenkt. Vashti zieht sich zunächst zurück. -  "Eventually my music dreams ran out - so I left for good. Left London, my family, everything familiar and took off for oblivion."

Zu Pferd und Fuhrwerk begibt sie sich gemeinsam mit ihrem damaligen Lebensgefährten in Richtung Nordwesten Schottlands, um sich vorerst in der auf Skye gelegenen Kommune des britischen Folk-Musikers Donovan niederzulassen. Die Reise dauert anderthalb Jahre; Als die beiden eintreffen, hat sich die Kommune bereits aufgelöst.

Vashti schöpft während jener Odyssee aus der Fülle ihrer Kreativität frischen Mut und kehrt 1970 nach London zurück, um schließlich ihr Debütalbum "Just Another Diamond Day" aufzunehmen: Das musikalische Zeitzeugnis jener Odyssee. Als "Hippie-Folk" abgestempelt, findet jedoch selbst der Langspieler keinen Anklang in der damaligen Zeit. Desillusioniert kehrt Vashti Bunyan dem Musik-Business den Rücken.

Drei Dekaden später kommt der Stein zu ihrer eigenen Überraschung ins Rollen: Mit der erfolgreichen Wiederveröffentlichung von "Just Another Diamond Day" im Jahr 2000 wird Vashtis Erstlingswerk plötzlich seine längst überfällige Anerkennung zuteil. Namhafte Künstler wie Joanna Newsom bekennen sich als große Fans der englischen Singer-Songwriterin, die 2002 von Piano Magic gebeten wird, auf deren Album "Writers Without Homes" als Gastsängerin aufzutreten; Vashtis erste Aufnahme seit dem untergegangenen Debüt!

Es folgen zahlreiche weitere Kollaborationen, unter anderem mit Animal Collective und Devendra Banhart, der im Rahmen von "From Here To Before", einer Dokumentation von Kieran Evans über Vashti und ihren (musikalischen) Werdegang, aussagt: "I believe Just Another Diamond Day is a holy record."

Ermutigt durch dieses unverhofft erwachte Interesse an ihrer Person und Musik, veröffentlicht die mittlerweile gefeierte "Godmother of Freak Folk" nach 33-jähriger Schaffenspause ihr zweite Platte mit dem bezeichnenden Titel "Lookaftering" (2005). Vashti Bunyan lebt gegenwärtig in Edinburgh und arbeitet an einem neuen Album sowie ihrer Autobiographie.



Sonntag, 14. Oktober 2012

lied zum sonntag: to find out


one member of the Keggs stated that he started the band so he could rationalize growing his hair long to his parents, AND so he could talk his dad into buying him a guitar. Damn lucky they gave the thumbs up, cauz the 2 songs they released on their only 45 ("To Find Out" on GRAVE 5 and "Girl" on GRAVE 6) are the 2 BEST garage punk songs EVER!!! The group was a 4-piece Detroit high school combo who were big fans of the Kinks, so they chose a short, catchy Kink-ish monicker. But they changed their name after each party they played because people hated them (which made their business-card printer a rich man!). Their strangest show was at an outdoor tennis court booked for dances every Thursday by the local Jaycees. The idea was for the bands to play and kids would pay to go inside the court an dance. But when the Keggs played NO ONE came onto the court. There they were, with 200 kids surrounding the high fence screaming and swearing at them for ruining their evening of fun and games. But the Keggs kept on playing to earn their money (40 dollars for two hours!) until someone pulled the power switch. Well, the kids that didn't dig 'em back then, and any of you SQUARES who don't dig 'em today can FUCK OFF! Cauz these guys are the FUCKIN BEST! Local competition was the Redcoats and the Keggs opened a show for Bob Seger's Last Heard at a club called the Cavern. They recorded their 2 GREAT songs in 4 hours at a small studio in a bad section of Detroit in July '67. Two weeks later they went to pick up their records and the studio was gone! During the famed Detroit race riots the place was burned down, but luckily they found the woman who ran the studio and she had a copy of the tape they made. So they pressed up only 75 copies for their friends and families but never actually released it
 ©RYPT Records

Mittwoch, 3. Oktober 2012

dilworthy: exodisc

larry debay favourites // faust, so far
robert wyatt, rock bottom
stooges, fun house
sun ra, nuits de la fondation maeght
john cale & terry riley, church of anthrax


EXODISC / Rue du Mont-Cenis 70 / 75018 PARIS

Freitag, 28. September 2012

philosophisticated: friedrich nietzsche

Gott hat uns die Musik gegeben, damit wir erstens durch sie nach oben geleitet werden. Die Musik vereint alle Eigenschaften in sich, sie kann erheben, sie kann tändeln, sie kann uns aufheitern, ja sie vermag mit ihren sanften, wehmütigen Tönen das rohesten Gemüt zu brechen. Aber ihre Hauptbestimmung ist, dass sie unsre Gedanken auf Höheres leitet, dass sie uns erhebt, sogar erschüttert. Auch gewährt die Musik eine angenehme Unterhaltung und bewahrt jeden, der sich dafür interessiert, vor Langeweile. Man muss alle Menschen, die sie verachten, als geistlose, den Tieren ähnliche Geschöpfe betrachten. Immer sei diese herrlichste Gabe Gottes meine Begleiterin auf meinem Lebenswege und ich kann mich glücklich preisen, sie liebgewonnen zu haben. Ewig Dank sei Gott von uns gesungen, der diesen schönen Genuss uns darbietet!

Dienstag, 25. September 2012

DIIV im Gespräch

by Danny Krug

Es ist ein ungeschriebenes Gesetz: Auf Frauentoiletten muss man warten. Immer. Während ich so anstehe, komme ich ins Gespräch mit einem Mädchen, das nach mir ein Interview mit DIIV geführt hat. Im Gegenzug steht sie jetzt in der Pinkelhierarchie ganz vorne; Das Universum sorgt für Gerechtigkeit.

Als enttäuschter Fan berichtet sie mir von ihrer desillusionierenden Begegnung mit den Jungs und bezeichnet diese als "Kackbratzen". Dass sich die Band nach meinem Interview verabschiedet hat mit den Worten: "Schade, dass wir nicht mehr Zeit haben, das hat Spaß gemacht!", behalte ich in dem Fall lieber für mich.

In der Tat lassen die Herrschaften merklich Slacker raushängen, jegliches Geschehen abseits der Bühne könnte ihnen kaum weniger am Arsch vorbeigehen. Welche Attitüde ist zu erwarten von vier postpubertären New Yorkern in Band-Shirts, die sich nach einem Nirvana-Song benennen, auf ihrer Erfolgswelle Wodka-Mate trinkend im Görlitzer Park stranden und außer Musik Pu$$y & Weed im Sinn haben?

Frontmann Zachary Cole Smith fällt etwas aus der Rolle. Der Kopf von DIIV verweilt in Gedanken die meiste Zeit anderswo und scheint beinahe in seinem überdimensional großen, roten Mickey Mouse Pullover verschwinden zu wollen.

Ich begrüße ihn per Handschlag und stelle mich vor als Minnie Mouse. Dass er nach einem kurzen Moment der Irritiertheit über diesen schlechten Witz lachen kann, zeigt mir: Die Kackbratzen und ich, wir liegen auf einer Wellenlänge.

⚡ ⚡ ⚡

Der Legende nach hast du dich letzten Sommer in einem Brooklyner Maleratelier verschanzt. Statt fließend Wasser und Klimaanlage gab es dort Platten und Bücher. Welches Werk resultierte in welchem Lied?

Cole (Gítarre/Gesang): Beispielsweise 'Doused' handelt von der Platte meines Vaters, der in den 80ern in einer Band gespielt hat. Ich habe das Album in meiner Plattensammlung gefunden und bin auf ein Lied gestoßen, das von meiner älteren Schwester handelt, die nicht mehr lebt. Er hat ein Lied über ihren Verlust geschrieben, was ich ziemlich beschissen finde, denn er hat meine Familie verlassen. Wenn er sich so sehr um sein Kind sorgt, warum verlässt er es dann? In dem Lied nehme ich seine eigenen Wörter und Phrasen und verwende sie gegen ihn. Ich drehe den Spieß quasi um.

"Die außergewöhnliche Qualität der Texte gekoppelt mit der musikalischen Undurchschaubarkeit wirft die Frage auf, ob DIIV nicht noch stärker wären mit einem mehr auf den Gesang fixierten Mix." (Auszug aus einem Album-Review zu 'Oshin' von Spectrum Culture.) Fasst ihr die Meinung eines Musikjournalisten bzw. -kritikers als konstruktive Kritik auf oder scheißt ihr drauf?

Cole: Bestimmt könnten wir von einem mehr auf den Gesang fixierten Mix profitieren, aber das entspricht nicht meiner Vorstellung von diesem Album. Die Platte sollte demokratisch sein und nicht auf Gesang basieren.
Devin Ruben Perez (Bass): Der Gesang ist ein Teil des Gesamten und soll mit dem Rest zu einem einzigen Klangozean verschwimmen.
Cole: Henry Miller sagte mal, der schlechteste Musiker sei immernoch besser als jeder Musikkritiker oder so ähnlich. Aus irgendeinem Grund müssen Musikjournalisten ihre Meinung immer begründen. Sie können nicht einfach sagen, ob ihnen etwas gefällt oder nicht. Immerzu müssen sie Referenzen ziehen, wonach es für sie klingt oder woran es sie erinnert. Ich finde es bescheuert, wie Musikjournalisten den Leuten darin behilflich sein sollen, Musik geistig zu erfassen. Wer sich auf Musikjournalisten verlässt, versucht lediglich für sich die Gründe herauszufinden, warum man etwas mag.

Wie wird der Albumtitel korrekt ausgesprochen? Ich bin phonetisch leider ein ziemlicher Idiot.
Andrew Bailey (Gitarre): Das Wort 'Oshin' stammt aus einem Gedicht. Es handelt vom Ozean und wurde geschrieben von einem kleinen Mädchen namens Amanda oder Samantha? Sie wusste noch nicht, wie man 'Ocean' richtig buchstabiert und hat einfach 'Oshin' geschrieben. Das Gedicht befindet sich auf der Innenseite der Platte.

‘Oshin gose crash on my feet / Like a warm per of warm slipers 
The sand flis behind me / With my secrit inside’

Mein Liebling vom Album ist 'Air Conditioning'. Wovon handelt das Lied?

Cole: Letzten Sommer, ich lebte alleine in diesem beschissenen, stickigen Atelier, besuchte ich meine Großeltern im Altersheim. Das Haus war voll mit tristen Gestalten und die Klimaanlage dort dröhnte rund um die Uhr. Es fühlte sich an, als wäre der ganze Komplex eine riesengroße Klimaanlage..

Welches sind eure persönlichen Lieblingslieder?

Andrew: Mein Favorit ist das letzte Stück auf dem Album. Als Cole mir die Lieder schickte, um die Gitarrenparts zu lernen, war ich hauptberuflicher Gassigeher in New York. Ich hörte mir das Zeug an, während ich mit den Hunden durch Manhattan spazierte und Leute beobachtete; 'Home' war der passende Soundtrack dazu.
Colby Hewitt (ehemaliger Smith Westerns-Schlagzeuger): Mir gefallen die beiden 'Druuns' am besten. Sie klingen anders als die restlichen Songs, sind schneller, besitzen mehr Steigerung. Die Gitarren schrammeln vor sich dahin, während der Bass die eigentliche Melodie trägt und führt.
Devin: Für mich ist 'Oshin' das beste und auch tiefgründigste Lied. Es erklingt zum Ende hin, wenn es am meisten drunter und drüber geht; So, wie es sein sollte. Das Lied repräsentiert durch seine Gleichnamigkeit mit dem Album nicht dessen Gesamtheit, sondern ist vielmehr ein weiterer Ozean im Ozean.

Welche Lieder bevorzugt ihr live? 

Andrew: Ich spiele am liebsten 'Doused', dabei können wir so richtig die Sau rauslassen. Unsere Lieblingsbeschäftigung.
Devin: Stimmt, für die Bühne ist 'Doused' wahrscheinlicham am besten geeignet, obwohl ich das Lied lieber mochte, als es noch keiner kannte. Damals hatte der Song immer einen gewissen Überraschungseffekt, aber jetzt warten die Leute richtig darauf.
Cole: Ja, ich hasse das!

Verhält sich das europäische Publikum anders im Vergleich zum Amerikanischen?

Colby: In den Staaten gibt es immer einen Moshpit auf unseren Konzerten. Bis auf Brüssel war das hier bisher eher die Ausnahme, aber dort sind die Leute komplett durchgedreht!

Spielt ihr Zugaben?

Cole: Wir beenden unser Set immer mit einem Cover, aber eigentlich haben wir darauf nicht wirklich Bock. Ich finde Zugaben ziemlich bescheuert.

Sind sie auch! Und dennoch spielen Bands immer wieder das gleiche bescheuerte Zugabe-Spiel. Warum wohl?

Colby: Ganz einfach: Das Publikum erwartet eine Zugabe von dir. Und wenn du sie nicht spielst, heißt es: "Die Band mag ihre Fans nicht."

Zu guter Letzt ein Zitat von Platon: "Musik ist ein moralisches Gesetz. Sie beseelt das Universum, beflügelt den Geist, lässt die Phantasie erblühen und verleiht allen Dingen Freude und Leben."

Andrew: Müsste nach Platons Höhlengleichnis Musik nicht eigentlich einer der Schatten sein, die von der Wahrheit ablenken?

Guter Einwand! Im Zusammenhang mit universeller Harmonie wird Musik eine gesonderte Bedeutung zugesprochen und als etwas Göttliches angesehen. Die eigentliche Frage: Was bedeutet euch Musik?

Colby: Nun, wir lieben Musik! Wenn wir nicht gerade selber spielen, verbringen wir so ziemlich jede freie Sekunde mit Musik hören. Im Moment laufen John Cale und Notorious B.I.G. im Tourvan rauf und runter.
Andrew: Musik spielt so eine große Rolle, sie ist fester Bestandteil des alltäglichen Lebens. Wie Essen und Vögeln.

Dagegen kann Platon einpacken...

⚡ ⚡ ⚡

believe the hype! Das Debütalbum 'Oshin' gehört gefeiert und zum Teufel mit allen Endjahreslisten, in denen die Platte keinen Platz findet. DIIV haben eine Perle an Land gespült, die besticht durch Klangbrillanz und Authentizität. Dieser Tonträger ist Zachary Cole Smiths aufrichtiger und gelungener Versuch, aus seiner Funktion als Beach Fossils-Gitarrist herauszutreten und subtil sein Innerstes nach außen zu kehren, gekleidet in ein abstraktes Konzept, bei dem Wasserelemente zusammenfließen, ehe sie sich formvollendet in diesem Solo-Projekt ergießen.

Live löst sich die Band vom wohlgeschliffenen Sound ihres Albums und zerlegt dessen Lieder teilweise bis zur Unkenntlichkeit. Charmant wird 'Oshin' durch den Dreck gezogen wie Kaugummi, der seit sieben Jahren auf der Skalitzer Straße klebt. 

Nachdem der Andrang auf die erste Europatour so groß war, dass die Band in Berlin kurzfristig ein Zusatzkonzert gespielt hat, kehren DIIV bereits im November zurück. Wenn das keine Fanliebe ist!

diiv into the oshin

Donnerstag, 20. September 2012

dilworthy: dead skeleton

SÁ SEM ÓTTAST DAUÐANN KANN EKKI AÐ NJÓTA LÍFSINS
SÁ SEM ÓTTAST DAUÐANN KANN EKKI AÐ NJÓTA LÍFSINS
SÁ SEM ÓTTAST DAUÐANN KANN EKKI AÐ NJÓTA LÍFSINS

WER DEN TOD FÜRCHTET KANN DAS LEBEN NICHT GENIESSEN
WER DEN TOD FÜRCHTET KANN DAS LEBEN NICHT GENIESSEN
WER DEN TOD FÜRCHTET KANN DAS LEBEN NICHT GENIESSEN

HE WHO FEARS DEATH CANNOT ENJOY LIFE
HE WHO FEARS DEATH CANNOT ENJOY LIFE

ktrhlzg

Sonntag, 16. September 2012

lied zum sonntag: mother of pearl


Well I've been up all night (again?)
Party-time wasting is too much fun

Then I step back thinking
Of life's inner meaning
And my latest fling

It's the same old story
All love and glory
It's a pantomime

If you're looking for love
In a looking glass world
It's pretty hard to find

Oh mother of pearl
I wouldn't trade you
For another girl

Divine intervention
Always my intention
So I take my time

I've been looking for something
I've allways wanted
But was never mine

But now I've seen that something
just out of reach glowing
Very holy grail

Oh mother of pearl
Lustrous lady
Of a sacred world

Thus: even Zara Thustra
Another-time-loser
Could believe in you

With every goddess a let down
Every idol a bring down
It gets you down

But the search for perfection
Your own predilection
Goes on and on and on and on

Canadian Club love
A place in the Country
Everyone's ideal

But you are my favorita
And a place in your heart, dear
Makes me feel more real

Oh mother of pearl
I wouldn't change you
For the whole world

You're highbrow, holy
With lots of soul
Melancholy shimmering

Serpentine sleekness
Was always my weakness
Like a simple tune

But no dilettante
Filigree fancy
Beats the plastic you

Career girl cover
Exposed and another
Slips right into-view

Oh looking for love
In a looking glass world
Is pretty hard for you

Few throwaway kisses
The boomerang misses
Spin round and round

Fall on featherbed quilted
Faced with silk
Softly stuffed eider down

Take refuge in pleasure
Just give me your future
We'll forget your past

Oh mother of pearl
Submarine lover
In a shrinking world

Oh lonely dreamer
Your choker provokes
A picture cameo

Oh mother of pearl
So so semi-precious
In your detached world

Oh mother of pearl
I wouldn't trade you
For another girl

Mittwoch, 12. September 2012

WAVES VIENNA 2012

Sven Regener hat die Schnauze voll. Als "Banausentum gegen die Künstler" empfindet der Element of Crime-Frontmann und Autor den Umgang mit geistigem Eigentum in der Gesellschaft und kritisiert die wirtschaftliche Entwertung von Musik, seit diese zum selbst- verständlichen Allgemeingut erkoren wurde. In einem Radiointerview auf das Thema Urheberrecht angesprochen, betont Regener dezidiert dessen Wichtigkeit sowohl für Künstler als auch Musiklandschaft und wirft in seiner Wuttirade die notwendige Frage auf: Wieviel ist eine Gesellschaft wert, die ihren Künstlern ins Gesicht pinkelt? Und liefert im selben Atemzug die Antwort: Nichts.

Diese gegenwärtig heikle Debatte um Urheberrechte und ähnliche musikrelevante Gretchenfragen stehen im Fokus der Waves Music Conference, die am 04. und 05. Oktober begleitend zum Waves Musical Festival in Wien stattfinden wird.

Mehr als 35 keynotes, Panels und Workshops behandeln fachspezifische Themen, beispielsweise Handhabe und Bedeutung von Musik-Blogs, die Kunst autarker Konzertveranstaltung oder die Vor- und Nachteile von DIY-Labels. Zusätzlich geben bereits etablierte Musiker in Künstlergesprächen Einblick in ihre Karriere, während neuen Bands eine Plattform geboten wird, um sich und ihr musikalisches Schaffen vorzustellen und professionelles Feedback einzuholen. Als speziellen Programmpunkt bemüht sich das Waves Vienna um eine Annäherung von Ost und West: Neben dem österreichischen Musikgefilde wird besonders den heurigen Gastländern Polen und Frankreich verstärkt Raum gegeben, um das pulsierende Musikgeschehen im eigenen Land zu präsentieren.

Begleitend zur Konferenz geht vom 04. bis 07. Oktober das eigentliche Club- und Showcase-Festival über die Bühne. Eingeläutet wird die zweite Festivaledition im Gartenbaukino mit der österreichischen Uraufführung von „Shut Up and Play the Hits“, einer Dokumentation über LCD Soundsystem; Den Abschluss stellt eine Afterparty in der Pratersauna dar, inklusive gratis (Kater-) Frühstück. Dazwischen liegen mehr als 80 internationale Acts, die vier Tage lang zwölf Locations entlang des Wiener Donaukanals und der Praterstraße im 2. Wiener Gemeindebezirk bespielen. Das äußerst dichte Programm aus Alternative, Elektronik, Rock und Clubmusik lädt dazu ein, mit hochkarätigen Acts gleichermaßen in andere Sphären zu entschwinden wie mit Rohdiamanten, welche es dort noch zu entdecken gilt. Ein paar ausgewählte Juwelen vorab:

Freitag, 7. September 2012

Questionnaire mit The Raveonettes


Pünktlich zum zehnjährigen Bandbestehen veröffentlichen The Raveonettes diesen September ihr mittlerweile sechstes Studioalbum. Aufgenommen in den legendären Sunset Sound Studios, war 'Observator' ursprünglich geplant als eine Los Angeles-Platte, der die Sonne aus den Rillen scheint. Herausgekommen ist ein düsteres Album mit funkelnden Nuancen, angesiedelt irgendwo im Nirgendwo, zwischen Schwermut und betont lässiger Leichtigkeit balancierend. Diese Gratwanderung, die ihre Diskographie beschreitet, findet auf 'Observator' erneut musikalischen Ausdruck: "Ich finde, gute Lieder entspringen unglücklichen Momenten." (Sune Rose Wagner)

Mit 'Observator' bringen Sharin Foo und Sune Rose Wagner ein Album heraus, welches gebührend Platz findet in der Nische seiner Vorgänger. Das dänische Duo beschreitet insofern neue Wege, als dass zum ersten Mal Klaviertasten angeschlagen werden, weitestgehend aber bewegen sich die beiden in ihnen wohlbekannten Gefilden und entwickeln ihren Sound weiter, indem sie ihn intensivieren. Dies verdeutlicht Sunes bescheidene Antwort auf die Frage, ob und inwiefern sich der musikalische Stil der Band innerhalb der vergangenen Dekade entwickelt hätte: "Wir sind besser geworden. Viel besser." In diesem Sinne: Rave On!

Der offizielle Pressetext schildert detailliert die Entstehungs- geschichte von 'Observator' aus Sunes Perspektive. Wie hast du die Arbeit am neuen Album empfunden, Sharin? Ich war anfangs skeptisch, ob wir es schaffen würden, das Album innerhalb einer Woche aufzunehmen. Ich hatte das Gefühl, als seien wir Monate entfernt von einer fertigen Platte! Dementsprechend bin ich an diese Session herangegangen als eine von vielen. Als wir aber im Studio waren, hat sich alles magisch wie von selbst materialisiert. Jene Anfangswoche hat sich wortwörtlich gespielt. Wir schätzen Spontaneität beim Musikmachen und haben das Unmittelbare auf dem neuen Album womöglich mehr aufgegriffen als jemals zuvor.

Die Textzeile 'I like the sun when it don't shine' vom Album-Opener 'Young And Cold' gefällt mir besonders, sehr Velvet Underground-esque! Welche Künstler inspirieren dich schreibtechnisch? Sune: Buddy Holly, Ellie Greenwich, Suicide und Smokey Robinson.

'Curse The Night', das dritte Lied auf dem Album, und 'Mother' von John Lennon teilen sich folgende Textzeile: 'I wanted you, you didn't want me'. Absicht oder Zufall?
(right time right place, marnix) Sune: Das ist mir bis jetzt gar nicht aufgefallen. Großartig!

Zum ersten Mal ist ein Klavier in die Aufnahmen miteingeflossen. Wer von euch beiden klimpert? Und werdet ihr das Klavier künftig mit auf die Bühne bringen? Sune: Ich spiele, aber momentan treten wir ohne Klavier auf. Die neuen Lieder wurden ursprünglich allesamt auf dem Klavier geschrieben, daher war es ganz natürlich, dieses an bestimmten Stellen miteinfließen zu lassen.

Ihr habt ein paar hervorragende Cover-Versionen gemacht wie beispielsweise 'I Wanna Be Adored' von den Stone Roses, 'Riders On The Storm' von den Doors oder 'Everyday' von Buddy Holly. Welches ist dein persönliches Lieblingscover? Sune: Ich liebe die Beatles Version von "Mr. Postman", im Original von The Marvelettes.

Wie findest du Trentemøllers 'Lust' Remix und seinen Edit an eurem 'She's Lost Control'- Joy Division Cover? Sune: Super! Mir gefällt außerdem die "Aly, Walk With Me" Version von Nic Endo sehr.

Stell dir vor, du könntest beliebig eine Person aussuchen, die einen eurer Songs covert: Wer würde welches Lied spielen? Sune: Ich würde gerne Hank Williams "Love Can Destroy Everything" singen hören.

Nick Cave, My Bloody Valentine, Iggy Pop & David Bowie: Alle hatten sie ihre Berlin-Phase. Könntest du dir vorstellen ein Berlin-Album zu machen? Wie klingt Berlin für dich? Sune
: Ich habe eigentlich kein Berlin-Album im Sinn, dafür kenne ich die Stadt zu wenig. Aber sie hat sich sicherlich sehr verändert seit ich ein Kind war und mein Vater mir Geschichten erzählt hat, wie er von Menschen mit Maschinengewehren angehalten wurde. Es gibt bestimmt einen Klang von Berlin, bloß kenne ich ihn nicht. Ich will vielmehr über Sachen schreiben, zu denen ich tatsächlich Bezug habe. Als nächstes will ich unser New York Album machen!


Sonntag, 26. August 2012

lied zum sonntag: justine justine

Dienstag, 14. August 2012

philosophisticated: platon

Music is a moral law. It gives soul to the universe, wings to the mind, flight to the imagination, and charm and gaiety to life and to everything.

Montag, 13. August 2012

Ducktails im Gespräch


VICE SUX steht groß in roten Lettern im West Germany geschrieben. Ein gefundenes Fressen für die Anti-Hipster Hipster-Fibel, um sich in ihrer großkotzigen Lässigkeit zu suhlen: Nach seinem Interview für das Magazin wird Matt Mondanile gebeten, neben dem Schriftzug zu posieren; Die posche Spiegelreflexkamera blitzt dezent epileptisch und lichtet die provokante Szenerie gekonnt ab. 

Amen.

Anschließend wendet sich der kreative Kopf hinter Ducktails sowie Gitarrist der Pitchfork-Lieblinge Real Estate aus New Jersey meiner Wenigkeit zu. Wir begeben uns auf den in Augenhöhe mit der U1 liegenden Balkon und nehmen für ein kleines Gespräch vorab des Konzerts Platz auf einer Bierbank :::

Yo Matt, kannst du rappen?
Leider nicht, aber ich möchte es unbedingt bald lernen! Wenn ich erst einmal so gut rappen kann wie Snoop Dogg, ändere ich meinen Namen um in... (denkt angestrengt nach) Little D.

Wie bist du auf 'Ducktails' gekommen?

Ducktails ist ein Wortspiel in Anlehnung an den Comic "Ducktales". Eigentlich ein blöder Name, der ursprünglich nicht beabsichtigt war, sondern zufällig entstanden ist: Ich hatte gerade Musik auf Kassette aufgenommen und auf die Schnelle wollte mir nichts anderes als Ducktails einfallen, um das Tape zu beschriften. Seitdem sitze ich mit diesem Namen fest und kann ihn nicht ändern, weil ich auf keine bessere Idee komme. 

Aus welcher Motivation heraus hast du mit der Musik begonnen?
Schon in der Grundschule wollte ich Musik machen und aufnehmen. Damals war ich schwer beeindruckt von Weezer (lacht). Später brachten mich Klassiker wie Neil Young oder Bands wie Pavement und Built To Spill dazu, selbst zur Gitarre zu greifen.

Welche Rolle spielt Berlin für dich und deine Musik? 

Eine sehr Bedeutende! Mein erstes Solokonzert fand in Berlin statt, nachdem ich im Januar 2006 hierher gezogen bin um Literatur an der Freien Universität zu studieren. In dieser Zeit lernte ich James Ferraro, Spencer Clark und Steve Warwick kennen, die damals in Neukölln lebten. Innerhalb der ersten Woche meiner Ankunft traf ich die Jungs zufällig auf einer Veranstaltung im Kunsthaus Tacheles.

Das klingt nach schicksalshafter Fügung! 

Möglicherweise. Wir wurden schnell gute Freunde, hingen viel miteinander ab, gingen aus, betranken uns.

Habt ihr auch zusammen gespielt? 

Nicht unbedingt. Vielmehr inspirierten wir einander in unseren Ideen. Die drei haben zu dem Zeitpunkt viel Musik aufgenommen und auf Kassette überspielt, das wollte ich auch versuchen! Ich besorgte mir also eine Akustikgitarre sowie ein Keyboard und verschanzte mich in meinem Zimmer in Kreuzberg.

Ducktails scheint vom Improvisieren zu leben. Allerdings macht es den Eindruck, als hättest du eine genaue Vision davon, wie es schlussendlich klingen soll. 

Ich habe eine gewisse Vorstellung in meinem Kopf, die ich umzusetzen versuche oder ein Gefühl, das ich festhalten möchte. Im Laufe des Spielens lege ich Schicht um Schicht und forme sie wie eine Skulptur, um das Klangbild aufzubauen und zu erfassen, nach dem ich suche.

Neben Ducktails spielt du außerdem bei Real Estate sowie ehemals Predator Vision. Worin unterscheiden sich die Projekte?
Real Estate spielen sehr strukturierte und formelle Pop-Songs, Predator Vision hingegen machen improvisierten Psych-Krautrock. Was Ducktails betrifft: Das Projekt ist "much more up in the air". 

Während sich Real Estate für händchenhaltende Spaziergänge am Strand eignet und Predator Vision für Doggy-Style? 
(Matt kichert.) So ungefähr.

Es ist der Abend des 25. März 2011, als Ducktails das in Rotlicht getränkte West Germany in einen traumähnlichen Zustand versetzt. Die kristallklaren Gitarrenklänge mäandrieren in Dauerschleife wie ein heißes Messer durch Butter gleitend durch den Raum, lassen sich verschwommen auf Keyboard und Pedale nieder. Die Musik wirkt beseelt von einem Gefühl der Vertrautheit und versprüht romantische Nostalgie, die das geistige Auge erwachen lässt. Von Bäumen über Frühling bis Beziehungen werde der talentierte Nerd in seiner Arbeit inspiriert: Eine breite Schicht an Eindrücken, die schwierig in Worte zu kleiden ist, beim Hören jedoch wärmstens nachempfunden werden kann.

 


Donnerstag, 19. Juli 2012

Mittwoch, 18. Juli 2012

Von der Schülerzeitung in Hildegard Knefs Herz

Die Geschichte von Markus Neumann ist außergewöhnlich: Im zarten Alter von 15 Jahren interviewt der Schülerzeitungsredakteur 1992 Hildegard Knef, eine der bedeutendsten deutschen Künstlerinnen der Nachkriegszeit. Die 66-Jährige schließt den Jungen sofort in ihr Herz, wo sie ihn fortan behält: Bis zu ihrem Tod im Jahre 2002 verbinden Hildegard Knef und Markus Neumann zehn Jahre tiefer Freundschaft.

Sechs Jahre nach ihrem Kennenlernen zieht Markus Neumann unverhoffterweise aus seinem hessischen Heimatort zu Hildegard Knef nach Berlin. In den darauffolgenden zwei Jahren des gemeinsamen Zusammenlebens kümmert er sich um Hildegard Knefs Archiv, erledigt mit ihr die Autogrammpost, begleitet sie zu Terminen, betreut sie bei den Aufnahmen ihres letztes Album '17 Millimeter' mit Till Brönner oder erklärt ihr schlichtweg die Arbeit am Computer.

Hildegard Knef, die charismatische Berlinerin, welche eigentlich in Ulm geboren wurde und Malerin werden wollte, avancierte als 'Hildegard Neff' in Hollywood zum Weltstar, zur "Marlene Dietrich für den denkenden Mann", wie sie ein amerikanischer Kritiker einst bezeichnete. Unvergessen bleibt ihr Nacktauftritt in dem Skandal-Film 'Die Sünderin' von 1951, in dem sie der Menschheit zeigte, "wie schön ein nackter Frauenkörper sein kann" (Shirley MacLaine). Unvergleichlich klingt das musikalische Schaffen der "besten Sängerin ohne Stimme" nach (Ella Fitzgerald); Unbestritten ist das schwierige Verhältnis zur deutschen Heimat, die 'Hildchen' reichlich spät schätzen lernte, dafür  aber umso mehr liebte. 2002 erschien in der Reihe 'Frauen der deutschen Geschichte' eine Briefmarke in Gedenken der Grande Dame, 2007 widmete ihr die Stadt Berlin posthum den Hildegard-Knef-Platz am Südkreuz. Die Erinnerung an 'die Knef', deren Todestag sich am 01. Februar zum zehnten Mal jährte, lebt beispielsweise dank Markus Neumann immerfort weiter.

Auf Umwegen über Schauspielakademie, Künstleragentur sowie fünf Jahren am Theater und diversen Jobs gelangte der heute 35-Jährige an die Freie Universität Berlin, wo er Filmwissenschaft sowie Publizistik- und Kommunikationswissenschaft studiert und als studentische Hilfskraft arbeitet. Markus Neumann war so freundlich, fünf ausgewählte Lieder aus Hildegard Knefs facettenreichem musikalischen Repertoire zu kommentieren und zu erläutern:

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"Wieviel Menschen waren glücklich, dass du gelebt?": Es gab einen Indianerstamm im Norden Nebraskas. Ihre "Religion" basierte auf dem Glauben, dass man nach dem Tod einem Wesen begegnen würde, welches einem die Frage stellt "Wieviele Menschen waren glücklich, dass du gelebt hast?". Für Hilde war diese Frage "von genialer Einfachheit, denn damit ist alles gesagt." So findet sich in der Textzeile "Und du gleitest durch Spiralen der Erinnerung, durch Verzweiflung und durch Freude, und die Trauer macht dich stumm, weil du's nicht weißt" eine kritische Anspielung auf den Egoismus der heutigen Zeit. Mit jeweils verändertem Text und neuem musikalischem Gewand wurde der Titel noch zweimal veröffentlicht: 1986 auf Single als "Weißt du nicht mehr" und 1999 auf ihrer letzten CD "17 Millimeter" als "Wer war froh, dass es dich gab?". 



"Friedenskampf und Schadenfreude": Die inhärente Widersprüchlichkeit dieser beiden Wörter und ihre Absurdität spiegeln sich im Text wider und finden in der barock-monumentalen Orchestrierung eine kongeniale Entsprechung.

 



"Im achtzigsten Stockwerk" stammt, ebenso wie die beiden oben genannten Titel, aus dem sogenannten roten "KNEF"-Album aus dem Jahre 1970. Von der Künstlerin zeitlebens selbst und inzwischen auch gemeinhin als die beste Knef-Platte bezeichnet, hat das Album mittlerweile Kultstatus nicht nur bei Fans erlangt. Alle Texte daraus stammen von Hilde. "Neben nur wenigen klassischen Chansons entstanden die meisten der zwölf Titel unter dem Einfluss seinerzeit aktueller Popmusik, wie Jazz, Beat und Folk." (Wikipedia) Zusammen mit der psychedelischen Musik und in einer Lesart des Textes von "Im achtzigsten Stockwerk" als LSD-Trip nannte Götz Alsmann das Lied treffend einen "Versuch von Hildegard Knef, Hippie-Drogenlyrik nachzuempfinden". Bei allen Liedern der Platte, die 2005 als CD wiederveröffentlicht wurde, war der Komponist Hans Hammerschmid, mit dem Hilde viele Jahre zusammengearbeitet hat, und der auch schon die Musik zu "Für mich soll's roten Rosen regnen" schrieb. Produzent war Hildes zweiter Ehemann, der englische Schauspieler David Cameron. Das Lied wurde in den letzten Jahren von Lee Buddah und der Berliner Band Nylon gecovert, und die Fantastischen Vier haben Hildes Stimme aus dem Original-Song in ihrem Lied "Die Stadt, die es nicht gibt" verwendet.



"Für mich soll's rote Rosen regnen": Hilde schrieb diesen Text im Taumel ihres - späten - Mutterglücks (sie war damals schon 42), etwa ein halbes Jahr nach der für beide lebensbedrohlichen Geburt ihrer Tochter Christina. Das an und für sich aggressiv fordernde und unbescheidene Lied wurde auf ihre Idee hin von dem österreichischem Komponisten Hans Hammerschmid musikalisch in einen versöhnlichen Walzer gekleidet und so "entschärft". Es wurde ein Evergreen und das Lied der Knef. Allerdings hatte es auch eine "Schattenseite": Sie bekam fortan immer wieder rote Rosen geschenkt, obwohl sie abgeschnittene und deshalb, wie sie sagte, "tote Blumen" gar nicht mochte. Viel lieber hatte sie Sonnenblumen. "Es regnete in meinem Leben tatsächlich viele Rosen", sagte sie einmal, "aber dass sie auch Stacheln haben, daran habe ich beim Schreiben nicht gedacht."


 

„Ich bin zu müde, um schlafen zu geh'n": Es ist ein melancholisches, sprachlich aber auch leicht humoristisches Lied.


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Dienstag, 17. Juli 2012

The Blue Angel Lounge im Gespräch

Bester Musikexport aus Hagen seit Julia Hummer. Sorry, Nena!
Mögen deine 99 Luftballons bleiben, wo sie hergekommen sind.

by Courtney Chavanell

Ausgerechnet der ehemalige Selbstmörderfriedhof Grunewald-Forst sollte Ruhestätte werden für Nico, deren Musik einst beworben wurde mit den Worten: "Warum Selbstmord begehen, wenn Sie diese Platte kaufen können?"

THE BLUE ANGEL LOUNGE sind weder zu der Grabstätte gepilgert, noch an jenen Ort, nach dem sie sich benannt haben: Der New Yorker Club, wo die deutsche Sängerin 1965 ihre ersten Soloauftritte absolvierte. Die Wahl des Bandnamens ist weniger Hommage an die Künstlerin selbst als vielmehr an das, was 'Icon Nico' in ihrer bizarren Aura und hoffnungslos nihilistischen Musik gleichermaßen verkörpert und vereint wie keine andere: Schönheit und Tragik.

Bewusst bewegt sich die fünfköpfige Band in jenem Abgrund, wo laut Friedrich Schiller die Wahrheit wohnt, und transportiert eine Atmosphäre in ihre Musik, die von düsterer Grundstimmung beherrscht wird. Dabei verschmilzt Nils Ottensmeyers sonorer Gesang, dessen sakrales Timbre aus Kinderchortagen herrührt, mit einem sinnvernebelnden Klangbild, reich an Melodie und wechselseitiger Dynamik.

Zweifelsohne gehören The Blue Angel Lounge zu den talentiertesten Bands, die Deutschland momentan zu bieten hat. Obwohl auf der jungen Gruppe hell der Widerschein diverser zeitloser Bands aus Psychedelic/Experimental/Shoegaze liegt, kreieren die Jungs ihren eigenen authentischen Sound und entwickeln sich dabei ohne feste Vorstellungen immerfort weiter. Als Maxime gilt: Hauptsache keine Wiederholung.

Anlässlich ihrer Record Pre-Release Party am 15. April 2012 im Bassy Cowboy Club räumt die Band im Rahmen eines Interviews kurzerhand mit dem gegenwärtigen Musikjournalismus auf, gibt preis, was an der offiziellen Biographie schöngeschrieben wurde und stellt fest, weshalb Anton Newcombe seinen Namen zu Recht verdient. Außerdem erklärt ihr neuer Tontechniker, warum seinen französischen Landsmännern der Rock'n'Roll im Blut gänzlich fehlt. 


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Am 15. Juni erschien hierzulande sowie in Österreich und der Schweiz eure neue EP 'Ewig', die verstanden werden darf als Vorgeschmack auf ein drittes Album, welches Ende des Jahres veröffentlicht werden soll. Erzählt bitte ein bisschen über das kommende Album.


Nils: Das ist grundsätzlich noch schwierig. Wir haben erst einmal mit den Aufnahmen für 'Ewig' begonnen, da wir im Vorfeld der Brian Jonestown Massacre Tour unbedingt noch etwas veröffentlichen wollten. Ein Album ist geplant für Ende des Jahres, aber wir haben noch nicht genug Songs, um sagen zu können, in welche Richtung es gehen wird. Durch die EP haben wir eine ungefähre Idee bekommen, der Rest wird sich in den nächsten Monaten entwickeln. Soundtechnisch jedenfalls kommt die Platte schon sehr nah an das, was wir uns wünschen: Diesen Lo-Fi Charakter von der ersten Platte, gleichzeitig aber hast du einen gewissen Druck in den Aufnahmen. 'Narcotica' ist zwar songmäßig cool, soundmäßig waren wir aber total unzufrieden.

Zwei eurer Lieder haben deutsche Texte: Die B-Seite 'Mutter' und das frische 'Ewig'. Wie verhält es sich in eurer Musik mit der deutschen Sprache gegenüber der englischen?

Nils: Das ist so ein Anfang, den wir gemacht haben und grundsätzlich finde ich die Idee cool. Wir fühlen das relativ schnell, ob Deutsch mit dem Song zusammenpasst oder nicht, allerdings ist das viel schwieriger als im Englischen, wo sich vieles simpel darstellen lässt. Die deutsche Sprache hat eine Spur mehr Persönlichkeit und genau da liegt der Anspruch: Die Texte sollen möglichst einfach sein und trotzdem genügend Interpretationsebenen lassen. Für mich wirken deutsche Texte sehr schnell bedeutungsschwanger, man darf das auf keinen Fall überreizen.

Was steht zuerst: Text oder Gerüst?

Nils: Das Gerüst. Wir haben die Erfahrung gemacht, dass es am besten klappt, wenn jemand eine gewisse Vorarbeit liefert, das heißt eine Idee auf den Tisch haut und die anderen ergänzen, sozusagen den Rohbau nehmen und weiterentwickeln. Wenn wir das Gefühl haben, dass es sich lohnt nach Berlin zu fahren und wieder Studiokosten auszugeben, wird das Ganze im Studio umgesetzt, ein paar Kleinigkeiten hier und da spontan ergänzt.

Euer gleichnamiges Debüt erschien im Jahr 2008, aufgenommen und produziert in Eigenregie. In der Bandgeschichte liest sich, dass von 500 Pressungen eine Kopie in die Hände von Will Carruthers gelangte. Wie kam das zustande und was passierte anschließend?

Nils: In der Legende heißt es natürlich, dass Gott höchstpersönlich Will Carruthers diese Platte in die Hände legte, er sie dann Olli Konuk gebracht und gesagt hat: Hör dir das an und du wirst selig werden. In Wirklichkeit hat Will Carruthers nicht mal einen Plattenspieler und sagte: Hier, hat mir 'ne Freundin geschenkt, hör dir das mal an. Durch diese glückliche Fügung kam das mehr oder weniger zustande. Olli war wohl hin und weg und wollte unbedingt mit uns zusammenarbeiten.

Dennis: Wir standen der Sache anfangs skeptisch und ambivalent gegenüber, weil wir das selbst in die Hand nehmen wollten. Mehrere Gespräche, Telefonate und Monate später haben wir uns aber irgendwann geeinigt, weil er mir sympathisch wurde (lacht).

Nils: Olli hat das strategisch richtig gemacht: Uns in die Acht gelockt, wo das Ganze bei ein, zwei, fünf, zehn Bier besprochen wurde. Dann war das Ding fertig. Will hat sich überhaupt erst danach mit uns auseinandergesetzt. Aber von dieser Legende, die da immer aufgebauscht wird, kann man 80% abziehen. So sind Musiker eigentlich auch nicht, dass sie irgendwo hingehen und sagen: Boah, da bin ich total baff von, hör dir das mal an. Man ist eigentlich immer fokussiert auf sein eigenes Projekt. Es wird auch gerne erzählt, dass Anton bei der Produktion des zweiten Albums komplett dabei gewesen sei. In Wirklichkeit hat er uns einen Nachmittag lang bei ein, zwei Songs ausgeholfen. Die anderen Tage saß er rum und war mit seinem Internetkram beschäftigt oder hat uns Cookies gemacht. Ähnlich wie mit Will sind wir auch mit Anton auf freundschaftlicher Ebene ins Gespräch gekommen. Außerdem ticken wir in unserer Arbeitsweise ähnlich: Nicht viel nachdenken, sondern einfach loslegen. Anton ist so produktiv, dass ihn Fab manchmal wie ein unruhiges Pferd bremsen muss.

Die Brian Jonestown Massacre Diskografie ist ja auch schier endlos!

Fab (Tontechniker von The Blue Angel Lounge und Anton Newcombe): Obwohl ich die Idee seiner Spontaneität mag, muss ich ihn immer wieder stoppen. Anton will immer alles so schnell wie möglich veröffentlichen ohne überhaupt zu mastern. Er meidet den Feinschliff gewissermaßen. Er befürchtet, seine Musik könne auf diese Weise durchschaubar werden. Und Anton mag es, die Leute auszutricksen.

Nils: Das ist immer wieder ein Phänomen: Alles klingt total kompliziert und man wundert sich, wie er das aufgenommen hat. Wenn man aber im Studio sieht, was er tatsächlich macht, erscheint alles so einfach. Das war ein großartiger Einblick für uns.

Fab: Egal, ob du selber Musik machst oder mit ihr arbeitest, es ist ziemlich schwer, dir dabei stets treu zu bleiben. Damit meine ich ganz und gar gegenwärtig zu sein; Im Moment. Was so erfrischend an der Zusammenarbeit mit jemandem wie Anton ist: Du realisierst, dass du nichts erzwingen kannst. Anton kommt ohne bestimmte Vorstellungen ins Studio und lässt die Ideen auf sich zukommen. Und wenn die Idee da ist, musst du bereit sein, sie zu erfassen und festzuhalten. Dieser Moment ist so kostbar! All die technischen Angelegenheiten sind ihm dabei gewissermaßen im Weg. Bei Anton spielt sich alles im Kopf ab. Wenn die Idee kommt, muss sie raus. Dadurch lastet großer Druck auf allen, die mit ihm arbeiten. Sie helfen ihm, seinen Ideen Ausdruck zu verschaffen und stehen ihm dabei gleichermaßen im Weg.

Nils: Das ist vielleicht auch der Grund, weshalb es schwierig ist, einen Song ein zweites Mal aufzunehmen: Demos haben ihren eigenen Charme und spontanen Charakter. Diese Stimmung wiederherzustellen ist schwierig, wenn man nochmals professionell aufnimmt.

Dennis: Noch haben wir gar nicht die Möglichkeiten, eine gute Idee als qualitativ hochwertiges Demo zu verarbeiten, dafür benötigt man ein gutes Studio. Oder aber man löst sich selbstbewusst von dem Mainstreamgedanken und macht auf einem schlechteren Level abgefuckte Demos, die zwar schwerer zugänglich sind für die Masse, dafür aber emotional greifbarer. Sowas lernt man von Anton und das stärkt uns.

live im Atomic Café, München

Die Musikjournalisten betreiben in den Referenzen zu euer Band ungeheures Name-Dropping: The Velvet Underground, Joy Division, The Jesus And Mary Chain, Spacemen 3...

Die Band beginnt sich köstlich zu amüsieren und legt ihre The Jesus and Mary Chain Anekdote dar.

Theo: Auf unserem zweiten Album gibt es diesen Song mit dem Arbeitstitel 'Darklands', bekanntlich ein Album von The Jesus And Mary Chain. Da uns der Titel gefallen hat und wir uns letztlich an den Arbeitstitel gewöhnt hatten, wurde 'Darklands' auch zum finalen Titel auf der Platte. Und nur, weil der Song und das Album denselben Namen teilen, kommt eine Verbindung zu dieser Band hoch, die in unserer Musik de facto überhaupt keine Rolle spielt! Ein Paradebeispiel dafür, wie unheimlich dämlich der Musikjournalismus arbeitet. Ich möchte natürlich nicht alle über einen Kamm scheren, aber häufig ist es leider so.

Dennis: Wir haben mit The Jesus And Mary Chain gar nichts zu tun, aber die Musikjournalisten haben sich am Titelnamen hochgepusht. "Die Synthesizer-Spuren sind so droneig und Wall of Sound wie bei The Jesus And Mary Chain." Das Lied hat weder Vocals noch richtig Struktur, sondern ist einfach ein atmosphärischer Song.

Nils: Ein Lückenfüller, der nicht mal ansatzweise Stimmung hat von Jesus And Mary Chain. Das ist, als würde Xavier Naidoo ein Lied namens 'Into cold water' machen und auf einmal wird Bezug zu uns hergestellt. Wo ist da die Logik? Da beginnt man natürlich irgendwo an diesem Musikjournalismus zu verzweifeln. Das Problem in dieser Szene ist halt, dass etwaige Bands eine Leitkultur sind, an der sich viele orientieren. Oftmals kaut eine Gruppe in abgewandelter Form das wieder, was andere Bands vorgekaut haben. So verliert die Sache schnell an Reiz. Wir haben das über mehrere Jahre intensiv beobachtet, mittlerweile sind wir dessen überdrüssig. Unser Bezug zu Spacemen 3 beispielsweise ist ihre Arbeitsmethode: Die benutzen das Minimale an musikalischem Aufwand, um einen möglichst hohen Effekt zu erzeugen.

'One chord best, two chords cool, three chords okay, four chords average.'

Nils: Genau! Und das ist die Richtung, in der wir momentan versuchen fokussierter zu werden: Sachen prinzipiell so simpel und reduziert wie möglich zu halten.

Dennis (hier kommt seine malerische Ader zum Vorschein): Ich vergleiche das gern mit Picasso, weil ich seine Herangehensweise sehr mag. Picasso war gelernter Maler, hat das Ganze aber von hinten wieder aufwiegelt, indem er sich zurück besann auf Spontaneität und Emotion. Das sieht man gerade in seinen letzten Sachen, die sind sehr homogen und organisch, er malt superexakt und seine Technik ist ausgereift. Später war für ihn wahrscheinlich einfach nur wichtig, dass der Strich an sich Ausdruck hat. Du siehst ein Bild und es ist nur ein Strich, aber der kann dir so viel Emotion vermitteln! Und da kommen wir auf das abgedroschene Velvet Underground Ding, aber wir haben damit ganz gut angefangen. Ich mag Bands nicht, die reindonnern, sich dann aber verlieren in Nonsens.

Nils: Wenn es anfängt, eine Materialschlacht zu werden, weil man das Gefühl hat, irgendwas fehlt an dem Song, dann klatscht man alles Mögliche rein um aus der Brühe halbwegs was rauszuholen. Das wollen wir eben nicht. Stattdessen beginnt man zu überlegen: Was kann raus? Plötzlich entsteht eine Atmosphäre und der Song wirkt aufgeräumt.

Räumt doch bitte mal mit dem Musikjournalismus auf.

Theo: Ich glaube, das führt jetzt ziemlich weit! Die ganze Musikindustrie ist ein Thema, das uns in letzter Zeit viel beschäftigt hat. Wir haben den Eindruck, dass sie eigentlich die ganze Zeit in ihrem eigenen Fett brodelt. Sobald eine Band ansatzweise Erfolg hat, springen alle auf den Zug mit drauf und sind direkt dabei. Aber wenn es darum geht eine unbekannte Band zu unterstützen, fehlt wirklich der Mut. Das ist in unseren Augen das Hauptproblem. Nicht, weil wir selbst drunter leiden, sondern diese Mainstreamkultur generell ist gescheitert.

Nils: Komischerweise kriegt jede Band in jedem Magazin immer genau dieselbe Bewertung. Wie kommt das zustande? Du bekommst eine kurze Plattenrezi in der Visions mit sieben von zehn Punkten, eine Woche später kommt der Rolling Stone und wieder hast du 7/10 Punkten. Keiner hat eine ehrliche Meinung und sagt: Ey, das Album ist scheiße oder das Album ist gut. Stattdessen orientiert man sich am Trend.

Theo: Unabhängig von der Bewertung muss man auch trennen, ob man sich selber nicht richtig eingeordnet fühlt. Das ist natürlich die andere Frage. Aber Aufgabe des Musikjournalismus sollte sein, neue Bands in den Vordergrund zu bringen. Wenn zum fünften Mal die Arctic Monkeys auf dem Cover der Visions sind, frage ich mich wofür? Für mich ist das Ganze ziemlich tot.

Dennis: Ich kann es eigentlich nicht beurteilen, weil ich damals nicht gelebt habe, aber früher waren wahrscheinlich Leute am Werk, die hatten Passion und wirklich Lust, sich mit der Musik auseinanderzusetzen. Heutzutage stecken ganz andere Leute dahinter. Das hat auch mit der ganzen Internet-Scheiße zu tun. Durch die Internetkultur fehlt die Auseinandersetzung mit der Musik.

Nils: Es gibt viel Quantität, unter der oftmals die Qualität leidet. Mittlerweile gibt es so viele kostenfreie Online-Blogs, die jeder privat als Hobby macht.

Dennis: Plötzlich hat jeder eine Meinung.

Und jeder ist mittlerweile Musikjournalist.

Dennis: Eine Freundin, die unsere Musik total gerne mochte, hat uns mal ein Promo-Package zusammengestellt und zum Rolling Stone oder Musikexpress geschickt, ich weiß es nicht mehr genau. Jedenfalls hatte sie Connections. In der Rückmeldung hieß es dann: Sorry, kommt doch in ein paar Jahren nochmal wieder, wenn die Band ein bisschen bekannter ist. Dann können wir über euch schreiben. Wie soll das funktionieren?

Nils: Der Anfang ist doch, dass die Aufmerksamkeit über ein Magazin hergestellt wird. Wenn kein Magazin sich traut, über den Schatten zu springen und darüber zu schreiben, dann wird das auch schwer Anklang finden. Unsere Musik ist auf eine gewisse Art und Weise relativ zugänglich. Wir haben die Erfahrung gemacht, dass sie den Leuten schon gefällt, aber viele mit der Richtung nicht so vertraut sind, weil das eben in den Magazinen nicht verbreitet ist. Das ist leider so ein Gegensatz, den man aus wirtschaftlicher Sicht natürlich nachvollziehen kann, aber die Sache, um die es eigentlich geht, wird völlig unter den Tisch gekehrt.

Materialismus vor Idealismus.

Dennis: Genau. Es sind einfach zu viele am falschen Hebel. Das Problem mit den ganzen Blogs im Internet zum Beispiel ist: Die Leute machen das einfach nur, um sich selber einen runterzuholen, wie geil sie sind. Mich juckt das nicht, ob XY einen geilen Musikgeschmack hat.

Nils: Im Endeffekt finde ich es wiederum müßig, über Musikjournalismus zu diskutieren. Sich tagein, tagaus darüber aufzuregen, dass alles scheiße ist, ist auch schwachsinnig. Natürlich ist es schlecht für eine Band, wenn sie keinen Brocken verdient. Aber davon muss man sich frei machen und trotzdem tätig werden, auch wenn das nicht so Anklang findet. In erster Linie macht man das ja immer noch für sich selbst. Man kann sich 20 Jahre lang darüber beschweren, ändern wird sich eh nichts. Egal, ob das jetzt wir sind oder weitaus größere Bands wie The Brian Jonestown Massacre. Die kriegen in Deutschland nicht mal eine vernünftige Review.

Dennis: Auf ihrem letzten deutschlandweit einzigen Konzert in Köln waren vielleicht 250 Leute! Und in Frankreich wiederum haben wir das andere Problem.

Gut, dass ihr Frankreich ansprecht! Denn das bisher erste und einzige Mal, dass ich über euch gelesen habe, war anno 2010 eine Rezension zu 'Narcotica' in einem französischen Musikmagazin.

Dennis: Das Phänomen mit den Franzosen ist: Die stehen total auf die Art von Musik, machen aber selber nichts in die Richtung.

Fab: Das ist ein kulturelles Problem. Die Franzosen verstehen den Rock'n'Roll und seine Tradition nicht. Es fällt mir schwer, das mit Deutschland zu vergleichen, weil ich die deutsche Kultur nicht wirklich kenne. Aber in Frankreich herrscht wegen der Sprache noch immer eine sehr stark ausgeprägte Chansonkultur. Die lyrische Gestaltung der französischen Sprache in Liedern ist kulturell tief verankert. Komischerweise stammt das beste Zeug nach wie vor aus den Sechzigern.

Wo stehen die Franzosen heute?

Fab: Die Franzosen neigen dazu, sich vielerseits inspirieren zu lassen und die verschiedenen Ideen schlussendlich miteinander zu vermischen. Eine intellektuelle, aber nicht unbedingt persönliche Angelegenheit. Für sie ist und bleibt es reine Kopfsache. Es wird analysiert, wie Rock'n'Roll zu klingen hat. Und dann komm
t dieser Typ ins Studio, der mitten im Track sein Gitarrensolo einspielt, aber irgendwie macht das Ganze musikalisch einfach keinen Sinn. Wirklich, sie würden alles darum geben eine Rockband zu sein, allerdings fehlen ihnen dazu die Eier in der Hose.

Glücklicherweise besitzt ihr die nötigen Eier!

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http://theblueangellounge.bandcamp.com/